Don Bluth a commencé sa carrière d'animateur chez Walt Disney Productions à une époque, celle du "désenchantement Disney" supervisé par Wolfgang Reitherman, où les canons du géant californien ont radicalement changé par rapport à ceux établis par Walt Disney durant l'âge d'or des studios. L'animation cinématographique américaine a en effet connu d'importants changements au cours des années 1960 et 1970, tant au niveau de la structure et de la distribution, avec le passage des courts métrages projetés en salles aux émissions et séries d'animation produites et diffusées à la télévision, qu'au niveau de la direction artistique. Le style graphique très léché et arrondi des premiers Disney Classics et des produits des studios Fleischer n'est plus économiquement viable à l'ère des nouveaux médias télévisuels. C'est pourquoi l'animation limitée, technique inventée par John Hubley des studios UPA dans les années 1940 et 1950, s'impose comme la nouvelle norme graphique et esthétique de l'animation occidentale. L'animation limitée repose sur les concepts de minimalisme des illustrations, de réduction du budget d'encrage du story-board et, surtout, d'abstraction des sujets et des environnements. Le réalisme, ou du moins le soin et la minutie apportés à la création d'images fixes définies et évocatrices, a ainsi cédé la place à une nouvelle école d'animation, orientée vers la conception et l'imagination des silhouettes - des contours - des éléments à reproduire. Bluth s'identifie d'emblée comme l'un des nostalgiques de l'âge d'or de Disney (1937/1942), une période où les studios expérimentaient sans cesse de nouvelles formes d'expression pour le médium de l'animation (Fantasia) et savaient créer des œuvres d'art techniquement époustouflantes (Pinocchio, Bambi). Cependant, l'animateur, fatigué de subir non seulement une politique d'entreprise préjudiciable à ses employés, mais aussi une société de production qui n'a pas accordé au département animation l'importance qu'il méritait en termes de soutien financier depuis 1961, décide, après avoir travaillé sur Red and Toby - Enemies (1981), de quitter définitivement Walt Disney Productions et de créer son propre studio d'animation. La première œuvre réalisée par Bluth, Brisby et Le secret de NIMH (1982), bien qu'accueillie timidement dans les salles et entraînant presque immédiatement la faillite de la société du réalisateur, s'est avérée, d'un point de vue artistique et stylistique, une véritable révolution pour les films d'animation américains. En effet, il représente le premier film d'animation de l'histoire produit spécifiquement comme alternative au monopole médiatique de Disney, une multinationale qui n'avait jamais eu à se soucier d'avoir des concurrents dans le domaine des films d'animation au cours des décennies précédentes.

L'histoire du film est basée sur le livre Mrs. Brisby and The Rats of NIMH de Robert C. O'Brien, un roman fantastique conceptuellement similaire à des écrits plus connus tels que Watership Down et The Plague Dogs de Richard Adams. Les thèmes de l'œuvre abordent en effet à la fois la relation conflictuelle qui existe entre l'humanité et la nature, un drame vécu subjectivement par des personnages zoomorphes, et le sujet épineux des expériences scientifiques menées par les laboratoires pharmaceutiques sur les animaux. La raison pour laquelle Brisby and The Secret of NIMH représente un long métrage révolutionnaire n'est cependant pas à attribuer aux thèmes qu'il aborde, qui avaient déjà été exprimés de manière directe, sombre, exhaustive et résolument efficace en 1978, puis en 1982, par les adaptations cinématographiques des livres d'Adams réalisées par le réalisateur britannique Martin Rosen. Le Secret de NIMH, en revanche, a changé le média américain grâce à la réalisation de Bluth et au rendu spectral de ses atmosphères, déplaçant ainsi l'attention du public des canons colorés de Disney, toujours proches de la comédie, vers une nouvelle vague d'animation occidentale qui, auparavant, dans les années 1970, ne s'était développée que dans des environnements alternatifs et underground grâce aux œuvres d'artistes irrévérencieux et visionnaires tels que Ralph Bakshi. Brisby and The Secret of NIMH est en fait l'une des principales œuvres qui constituent ce que l'on appelle "l'âge médiéval" de l'animation occidentale, une période allant du milieu des années 1970 au milieu des années 1980 au cours de laquelle de nombreux films d'animation ont été réalisés avec des intrigues aventureuses et violentes, souvent donc inadaptées à un public enfantin, des atmosphères et des toiles de fond sombres, une photographie crépusculaire ou nocturne et une caractérisation des scénarios allant des bandes dessinées américaines de dark fantasy de Frank Frazzetta (par exemple Le Seigneur des Anneaux et Fire and Ice de Ralph Bakshi) au magazine d'illustration français Métal Hurlant (par exemple Heavy Metal de Gerald Potterton et Fire and Ice de Ralph Bakshi). De la bande dessinée "Le Seigneur des Anneaux" et "Le Feu et la Glace" de Ralph Bakshi à l'illustration française du magazine Métal Hurlant (par exemple "Heavy Metal" de Gerald Potterton). Pour créer les particularités de son premier long métrage, Don Bluth a emprunté aux Aventures de Bianca et Bernie (décors le plus souvent plongés dans l'obscurité ou un fin brouillard) et à Red and Toby - Enemies (séquences angoissantes où l'on perçoit un danger imminent sans pouvoir en anticiper l'entrée) des éléments lugubres et angoissants, tant sur le plan scénique que sur le plan de l'impact émotionnel.  C'est précisément à partir des derniers Classics que le réalisateur conçoit sa version de la dark fantasy, en réussissant à unir ce peu d'angoisse qui existe dans les films Disney réalisés dans la période - non sans raison - la plus sombre des studios (1977/1985), qui appartenait aussi en termes esthétiques à l'âge médiéval de l'animation occidentale, avec son propre style de dessin qui est si proche, en termes de détails tels que les yeux et les visages des personnages, de l'âge d'or que Bluth regrette.

En effet, Brisby et Le secret de NIMH contiennent de nombreuses références stylistiques à des chefs-d'œuvre tels que Bambi et Une nuit sur le mont Chauve, le sixième segment de Fantasia. Parmi toutes les séquences, trois sont non seulement les meilleures du film, mais aussi les plus réussies de toute la carrière de Bluth : l'arrivée du tracteur dans le champ de Brisby, où résonne le chef-d'œuvre musical The Tractor écrit par Jerry Goldsmith, l'ouverture du sceau et la rencontre entre le protagoniste et le grand hibou. Les aspects les plus précieux du long métrage sont les personnages, la direction "glaciale" de Bluth et la partition de Goldsmith, qui dit être la meilleure qu'il ait jamais composée. Les personnages représentent les prototypes de toutes les personnalités qui rendront célèbres dans le futur une bonne partie des œuvres du réalisateur : un macchietta comique très efficace, doux et naïf, beaucoup plus âgé que tous les autres personnages et donc encore plus drôle à cause de sa maladresse ; un protagoniste d'abord en difficulté qui doit résoudre un problème qui affecte directement ou indirectement sa famille (par exemple, un parent malade, une perte) ; un antagoniste avide de pouvoir, parfois d'argent, et prêt à tout, même à tuer, pour voir ses plans égoïstes et maléfiques aboutir ; un sage qui guide le protagoniste sur la voie de la raison et de la compréhension ; plusieurs personnages secondaires, souvent solitaires, susceptibles ou égocentriques, qui se distinguent des nombreux figurants parce qu'ils sont conquis par la bonté du personnage principal. La réalisation de Don Bluth et la cinématographie de Bill Butler (Les Dents de la mer, Vol au-dessus d'un nid de coucou, Grease) confèrent aux séquences principales du film une atmosphère sans précédent dans l'histoire de l'animation ; un hybride de fantastique, de post-apocalyptique et de récit d'aventure classique, le tout composé de plans qui assombrissent et magnifient le monde de Brisby, une réalité perçue comme énorme et terriblement dangereuse à travers les yeux d'une petite souris de la campagne. La bande sonore du maestro Jerry Goldsmith, l'un des compositeurs de films les plus importants d'Hollywood (La Planète des singes, The Omen, Alien, Star Trek, Rambo, Mulan) et, dans l'orchestration de la musique classique écrite pour le cinéma, le plus influent de tous les temps, aide l'œuvre de Bluth dans l'expressivité et le balayage précis et méticuleux de la moindre sensation éprouvée par le protagoniste tout au long du long métrage. La musique, en effet, incorpore non seulement la peur, l'étonnement et le bonheur de Brisby, mais aussi la façon dont le protagoniste vit l'arrivée d'une menace - le moment où naît le pathos d'une scène - ou la réalisation tragique d'un malheur - le moment où se produit l'apogée dramatique de l'œuvre de Don Bluth et de l'un des films d'animation les plus extraordinaires des États-Unis.